Fernando Botero




Fernando Botero es uno de los pintores colombianos más populares en todo el mundo. Detrás del artista podemos contemplar una de sus obras, en la que se aprecia su particular visión de la realidad. El volumen exagerado de las figuras y el tratamiento cromático, casi naïf, son dos de las principales características de este autor.


Fernando Botero (1932- ), pintor, dibujante y escultor colombiano, en el que la monumentalidad, el humor, la ironía y la ingenuidad se combinan con un admirable dominio del oficio y gran talento.
Nacido en Medellín en 1932, inicia su actividad artística en 1948 como ilustrador del periódico El Colombiano, al tiempo que participa en su primera exposición conjunta —Exposición de Pintores Antioqueños— Medellín 1948. Tres años más tarde se traslada a Bogotá y celebra su primera exposición individual (Mujer llorando, 1949). En 1952 viaja a España y sigue estudios en la Academia de San Fernando de Madrid, al tiempo que asiste al Museo del Prado donde estudia y copia la obra de Diego Velázquez y Francisco de Goya. Entre 1953 y 1955 viaja a Francia, Italia y estudia en Florencia pintura al fresco; tras su regreso en 1955, permanece un año en Bogotá (donde su obra no tuvo buena acogida), otro año en México (conoce a Rufino Tamayo y José Luis Cuevas) y en 1957 visita Estados Unidos. Allí celebra su primera exposición individual en la Pan-American Union de Washington. A los 26 años es nombrado profesor de pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Bogotá; en 1960 se instala en Nueva York y en 1973 fija su residencia definitivamente en París.

Bronce de Fernando Botero
Esta escultura figurativa de Fernando Botero se incluye dentro del movimiento posmodernista de finales del siglo XX. En su etapa de madurez, la pintura y la escultura del artista colombiano se caracterizan por sus formas redondas y amplios volúmenes, como los que se aprecian en esta escultura en bronce.



En principio sus obras revelan cierta admiración por el muralismo mexicano y la pintura del renacimiento italiano (Partida, 1954), pero más tarde estas influencias van desapareciendo en favor de un personalísimo estilo, en el que las figuras engordan y se deforman hasta cubrir en buena parte el lienzo (Prelado, 1959); los cuadros de esos años denotan la influencia del surrealismo. La historia del arte (Autorretrato con Luis XIV visto por Rigaud, 1973), la vida burguesa (Escena familiar, 1969), la cultura colombiana (Baile en Colombia, 1980) y los personajes históricos (Luis XIV y María Antonieta en visita a Medellín, Colombia, 1990) constituyen a lo largo de su carrera las principales fuentes de inspiración, de una dilatada y variada producción en la que abundan paisajes, retratos y escenas costumbristas. Sus primeras pinturas muestran una pincelada suelta y concreta, pero poco a poco ésta se empasta, al tiempo que las perspectivas y las figuras se hacen arbitrarias en función de la importancia que tengan en la representación. Óleo, acuarela, pastel, sanguina o lápiz son manejados con gran destreza a lo largo de su obra. Botero emplea la gordura como base de una cariñosa burla para comentar ciertos aspectos de la vida (La alcoba nupcial, 1958). A partir de 1960, lleva a cabo entre su variada temática una serie de obras en las que parece rendir tributo a los grandes maestros de la pintura universal como Mona Lisa a los doce años (1959), Rubens con su esposa (1965) o Autorretrato según Velázquez (1986). Su afición por los toros le lleva en la década de 1980 a dedicarse casi en exclusiva a este tema (La pica, 1984; El quite, 1988).
La misma voluptuosidad e ingenuidad que caracteriza su pintura, se encuentra en la escultura cuya producción se inicia en París en 1973; se trata en su mayor parte de figuras y animales de tamaños grandiosos y desproporcionados de gran singularidad (Venus, 1977; Perro, 1981; Soldado romano, 1986; Mujer a caballo, 1991), realizados en bronce, mármol y resina fundida. En 1992 Montecarlo y los Campos Elíseos de París acogieron una Exposición de Escultura Monumental, y el Gran Palais (París) otra sobre toros, La Corrida. El tratamiento exagerado en sus proporciones de la figura humana es hoy una de las características inconfundibles de su obra, que ha sufrido pocas variaciones desde sus comienzos. En la actualidad vive entre París, Nueva York y Bogotá.


Jesús Rafael Soto




El artista venezolano Jesús Rafael Soto ha investigado las posibilidades plásticas del Op Art y del arte cinético en relación con el espectador. En este environment tridimensional, que en ocasiones incluye luz y sonido, el movimiento del público llega a formar parte de la propia obra.

Jesús Rafael Soto (1923-2005), pintor y escultor venezolano, figurativo en sus comienzos, que derivó al cubismo, la abstracción geométrica y el cinetismo virtual. Junto al también venezolano Carlos Cruz Díez encabezó la escuela cinética, donde el espectador se integra en la obra a través de espacios penetrables.
Nació en 1923 en Ciudad Bolívar, Venezuela, donde realizó estudios en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas entre 1942 y 1947, año en que es nombrado director de la Escuela de Artes Plásticas 'Julio Arraga' de Maracaibo (1947-1950). Desde 1950 vivió en París, pero viajaba periódicamente a Venezuela. En sus primeras obras se acusa la influencia de Paul Cézanne y el gusto por la geometrización de las formas en los paisajes (Paisaje de Maracaibo, 1949), naturalezas muertas, retratos (La dama griega, 1949), pero con su traslado a París, donde toma contacto con las vanguardias y estudia a Kazimir Malévich y Piet Mondrian, evoluciona hacia una abstracción geométrica. Las primeras obras parisinas corresponden a su preocupación por crear superficies de dinamismo visual en base al color, la forma geométrica y la ambigüedad forma-fondo (Composition dynamique, 1951). A partir de 1953 realiza los primeros trabajos de cinetismo virtual, efecto obtenido tras separar el fondo y la forma: la primera sobre una placa transparente de plexiglás y la segunda sobre una placa de madera colocada a 10 centímetros y ambas fijadas con varillas metálicas. De esos años son: Desplazamiento (1953), La cajita de Villanueva (1955) y Espiral con plexiglás (1955), considerada el punto de partida del arte cinético. En 1955 junto a Agam, Tinguely y Pol Bury, formula en sus trabajos los principios del cinetismo. En principio trata el espacio como materia plástica (Structure cinétique, 1957) y más tarde incorpora a sus piezas elementos de desecho que combina con tramas geométricas (Cubos ambiguos, 1958). A finales de la década de 1950 crea las primeras obras vibrantes y la serie Esculturas, a base de varillas que cuelgan de hilos de nailon frente a un fondo trama, con un movimiento natural que, combinado con la percepción del espectador al moverse frente a la obra, producen el efecto cinético (Estructura cinética de elementos geométricos, 1958). Profundizando en esta línea consigue incorporar totalmente al espectador en la obra a través de los Penetrables (Penetrable amarillo, 1969). Realizó también algunas obras públicas como los murales del edificio de la UNESCO en París, 1970. A partir de esta fecha realizó distintas estructuras cinéticas integradas en la arquitectura: Hall de la fábrica Renault de Boulogne-Billancourt (1975); Volumen suspendido en el Centro Banaven de Caracas (1979); Volumen virtual en el Centro Pompidou de París (1987). En la década de 1980 vuelve a estudiar la ambivalencia del color sobre el plano, según los principios de Wassily Kandinsky y de la última etapa de Piet Mondrian, a través de cuadros de diferentes formatos sobre una trama blanca y negra (Rojo central, 1980). Uno de los grandes logros de Soto fue convertir al espectador de la obra en sujeto activo, que se mueve en torno a la obra, y debido también a la movilidad de la imagen envuelta en la materia creada por el artista. La visualización del movimiento y la luz constituyeron las principales motivaciones de su obra. En 1973 el gobierno de Venezuela construyó el Museo de Arte Moderno de la Fundación Jesús Soto. Falleció en enero de 2005 en París.


Lilia Carrillo




Lilia Carrillo (1930-1974), pintora mexicana, integrada en el grupo Generación de la Ruptura, que está considerada como la introductora del informalismo abstracto en México.

Nació en la ciudad de México en 1930. Tras estudiar con M. Rodríguez Lozano, acude a la Escuela de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, donde sigue cursos con Agustín Lazo y Pablo O'Higgins y se gradúa en pintura en 1951. En 1953 viaja becada a París; allí estudia en la Academia de la Grande Chaumiere y expone en la Maison du Mexique y en la Exposición de Artistas Extranjeros en Francia (1954), regresando en 1955 a su país. Entre 1957-1961 expone con regularidad en la galería Antonio Souza y en el Museo de Arte Moderno de México. En 1960 contrae matrimonio con el también pintor y escultor Manuel Felguérez. A partir de 1960 su obra se expone en Washington, Nueva York, Tokio, Lima, São Paulo, Madrid, Barcelona, Bogotá y Cuba. En 1966 participa en la muestra Confrontación 66 (Palacio de Bellas Artes de México), donde se suscita un enfrentamiento entre las nuevas tendencias y los últimos representantes de la escuela mexicana de pintura. Este suceso da lugar al nacimiento del grupo conocido como Generación de la Ruptura, donde se la reconoce como introductora del informalismo abstracto. Un aneurisma en la médula espinal (1969) la aparta de la pintura hasta su muerte, acaecida en 1974. Su obra se desarrolla desde los primeros años dentro de la abstracción más pura, con una fuerza explosiva de color: Abstracto, 1957; Tormenta de fuego, 1958; Encuentro, 1960; Principio y fin, 1969.

Mathias Goeritz




Mathias Goeritz (1915-1990), arquitecto, escultor, pintor, poeta e historiador del arte de origen alemán afincado en México, considerado como el impulsor de la ‘arquitectura emocional’, y uno de los protagonistas de la modernización plástica mexicana.
Nació en Danzig (actual Gdańsk) y pasó su infancia y juventud en Berlín, donde realizó estudios de pintura, historia del arte y filosofía. Tras la implantación del nacionalsocialismo, en 1936 abandona Alemania, e inicia un viaje por Europa y el norte de África. La pintura de su primera etapa está marcada por la guerra y en ella se acusa la influencia de los grupos expresionistas alemanes Die Brücke y Der Blaue Reiter. En 1941 viaja por Marruecos y en 1946 expone en Madrid junto con Miró, Ángel Ferrant y otros artistas vanguardistas. En 1949 crea la Escuela de Altamira, en Santillana del Mar (Santander); su estilo evoluciona entonces hacia la abstracción, marcada por su relación con Miró y las pinturas rupestres de Altamira.
Después de tres años, y al no renovársele el permiso de residencia, marcha a México, donde es contratado como profesor de historia del arte por la Escuela de Arquitectura de Guadalajara. En esta universidad crea un taller de diseño en el que difunde las enseñanzas de la Bauhaus. Pasados cinco años, es contratado por la Universidad Nacional Autónoma de México para dirigir un Taller de Educación Visual, y más tarde la Universidad Iberoamericana le encomienda la creación de la Escuela de Artes Plásticas. Desde entonces su influencia fue notable en la plástica contemporánea. México se abría a la modernidad y gracias a él se exponía por primera vez la obra de Paul Klee y Henry Moore. Es ahora cuando Goeritz alterna la pintura con la escultura, que se convierte en el fundamento de su creación. En este campo evoluciona desde el expresionismo a la abstracción (La mujer de cinco caras, 1950; Animales heridos, 1951; La serpiente, 1953).
A partir de la creación del Museo Experimental El Eco (México D.F., 1953), desarrolla lo que llama la ‘arquitectura emocional’, que se caracteriza por la utilización de un diseño limpio y la construcción de torres, en las que prima el sentido escultórico sobre el funcional (Torres sin función en la Ciudad Satélite de México D.F., 1957-1958). Para los Juegos Olímpicos de 1968 levantó La Osa Mayor (conjunto de columnas-torres de hormigón frente al Palacio de los Deportes) y dirigió la Ruta de la Amistad (especie de museo de escultura al aire libre que, a lo largo de 17 kilómetros, muestra la obra de 16 artistas internacionales). En los años que preceden a las olimpiadas y en colaboración con el arquitecto Luis Barragán, realiza una serie de ambientes luminosos con vitrales (catedrales de México D.F. y Cuernavaca, iglesias de San Lorenzo en México y de Santiago de Tlatelolco); también colabora con el arquitecto Ricardo Legorreta en las Torres de Automex (1963) y los murales del hotel Camino Real (1968). En 1975 funda el grupo Cadigoguse con Germán Cabrera, J. L. Díaz, Sebastián y Ángela Gurría, con los que lleva a cabo cinco plazas escultóricas en Villahermosa. Con la intención de integrar el arte y la naturaleza participa en otro proyecto colectivo: el espacio escultórico de la UNAM (1979, cerca de la pirámide de Cuicuilco); aquí contó con la colaboración de los escultores: Hersúa, Sebastián, Escobedo, Felguérez y Silva. A esta obra seguirían también en la ciudad de México, los Prismas incrustados (parque de Chapultepec) y la Corona de Bambi (1979, Centro Cultural Universitario), en la que consigue además ilusiones ópticas.
De toda su obra arquitectónica quizás la más compleja e interesante, como califica el propio artista, sea El laberinto (1980, Centro Comunitario Alejandro y Lily Saltiel de Jerusalén), edificio carente de ventanas, de gran fortaleza y cuya luz se introduce a través de amplias terrazas. Si en pintura está influenciado por el expresionismo alemán, en escultura y arquitectura desarrolla un estilo marcado por la pureza de diseño y la integración plástica espacial, como medio de elevar el nivel espiritual de la sociedad. Murió en 1990 en la ciudad de México.

Pierre Beauchamps




Pierre Beauchamps París, 1635-1695 Bailarín frans. Su nombre pasa a la historia por ser el profesor de baile de Luis XIV y de otros cortesanos. Director de los bailes de la Opera real y de los palacios particulares, pues durante el reinado de Luis XIV se vive en París la pasión del baile. Con danzas adaptadas por Beauchamps, comedias de Molière y coreografía de Berain, Jean Baptiste Lully crea el género de comedia-ballet.

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